Short Term 12

Short Term12_1

Short Term 12 (USA 2013)
R: Dustin Cretton; D: Brie Larson, John Gallagher Jr., Kaitlyn Dever; 96 Min; DCP; OmU
Berlin-Premiere

Grace ist etwas über 20 und Erzieherin bei Short Term 12, einer Auffangstation für schwierige Jugendliche. Sie liebt ihren Job leidenschaftlich und kümmert sich vorbildlich um die Kids, auch wenn sie mit ihrer eigenen schwierigen Vergangenheit zu kämpfen hat. Als Jayden – eine begabte, aber rastlose Teenagerin – aufgenommen wird, kann Grace die Probleme ihrer eigenen Kindheit nicht länger ignorieren. Damit setzt sie nicht zuletzt ihre fragile Work-Life-Balance aufs Spiel und muss ihren eigenen Weg finden, um mit der Krise klarzukommen, die sie bis an ihre Grenzen treibt, sie andererseits aber unerwartet Hoffnung schöpfen lässt.

SHORT TERM 12 is told through the eyes of Grace, a twenty-something supervisor at a foster-care facility for at-risk teenagers. Passionate and tough, Grace is a formidable caretaker of the kids in her charge – and in love with her long-term boyfriend and co-worker, Mason. But Grace’s own difficult past – and the surprising future that suddenly presents itself – throw her into unforeseen confusion, made all the sharper with the arrival of a new intake at the facility: a gifted but troubled teenage girl with whom Grace has a charged connection.
„SHORT TERM 12 expresses its serious subject matter in a fresh and authentic manner, never relying on the content itself to keep the viewer’s interest but how it unfolds for the audience, anchored to these characters who we grow to deeply care about. In the end, “Short Term 12” is a roller coaster of every emotion, managing to be both heartwarming and heartrending at once. But what a great ride.“ (Katie Walsh)

FR 3.1. 19:15; MI 15.1. 19:00

People’s Park

People'sPark

People‘s Park (USA/China 2012)
R: Libbie D. Cohn, J.P. Sniadecki; 78 Min; DCP; OV
Berlin-Premiere

Einen Streifzug durch einen berühmten Park im chinesischen Chengdu unternimmt PEOPLE‘ PARK von Libbie D. Cohn und J.P. Sniadecki (FOREIGN PARTS, 2010, UP#3). Mittels einer 78-minütigen ununterbrochenen Kamerafahrt dokumentieren sie das bunte Treiben an einem Samstagnachmittag. Langsam bewegt sich die Kamera an tanzenden Paaren vorbei, blickt in Teehäuser und betrachtet zahlreiche Spaziergänger. Durch den Verzicht auf jegliche Schnitte entsteht auf der Leinwand ein Sog. PEOPLE‘S PARK ist ein Film über Blicke. Mit der gleichen Neugier wie viele Parkbesucher direkt in die Kamera blicken, erwidern wir ihren Blick und schauen gebannt in ihre Gesichter.

A walk through the park like no other, this brilliantly joyous conceptual documentary takes the vivid reality of an urban park: People’s Park in Chengdu, Sichuan, and, with a pure kind of cinema magic, makes it more real than real. Directors Libbie Cohn and J.P. Sniadecki use an utterly unique and perfectly apposite method of filming: they shoot their tour of the park in one continuous 75-minute long tracking shot. No cuts, no edits: the film starts, it rolls, it stops. Their camera, as it pans side to side and glides relentlessly forward, catches hundreds of Chinese urbanites out for fun, relaxation, socializing and freedom: eating, strolling, singing, practicing calligraphy, dancing (to various, surprising beats) and watching each other. And being watched (by us) in a way that, though it may start out with what feels like unadorned observation, slowly gathers a kind of ecstatic, trance-like groove, building to a rapturous climax, as people, movement, music, image and sound dance together: this is as close to pure pleasure as cinema can provide. (Shelly Kracier)

FR 3.1. 21:45; DI 14.1. 18:45

Pearblossom Hwy

Pearblossom

Pearblossom Hwy (USA 2012)
R: Mike Ott; D: Atsuko Okatsuka, Cory Zacharia, John Brotherton; 80 Min, HDCAM; OmeU
Deutschland-Premiere

Während Cory unablässig redet, hat Atsuko fast nichts zu sagen. Er spricht sogar noch in eine Videokamera, um bei einer Reality-Show teilnehmen zu können. Sie schweigt, vor allem dann, wenn sie sich von Männern im Motelzimmer bezahlen lässt. Was die beiden verbindet, ist nicht nur das Kaff irgendwo in Kalifornien, in dem sie festsitzen, sondern auch die Sehnsucht. Mike Ott ist einer der wichtigsten Regisseure des US-Independentkinos, wie er mit seinem vorherigen Spielfilm LITTLEROCK (UP#4) eindrucksvoll bewiesen hat. PEARBLOSSOM HWY (oder auch „Highway“) ist eine Art Sequel zu seinem Erstling mit derselben Besetzung.

Pearblossom is a small desert town in California, where the Japanese immigrant Anna hangs out with the American Cory, who has not yet come out of the closet. Anna lives with her uncle and aunt and regularly calls her grandma in Japan, whom she misses terribly. To earn money for a trip to Japan, she works as a prostitute. Cory does nothing, except sing in an unsuccessful death-metal band and film himself, hoping to get a place in a reality show. Together with Cory’s conservative brother Jef, the two set off to San Francisco to look for Cory’s real father.
The relationships between the three gradually emerge during the journey and it slowly becomes clear what lies behind the deeds (or lack thereof) of the travellers, whose life is set in grittily shot and depressing motel rooms, rainy streets and bars full of strangers, where the truth bubbles to the surface after you’ve had enough beer. The leading roles are played by Atsuko Okatsuka and Cory Zacharia, just as in Mike Ott’s first film, LITTLEROCK (UP#4). (Filmfestival Rotterdam)

DO 9.1. 20:00; FR 10.1. 20:00 (jeweils in Anwesenheit von Mike Ott)

Northern Light

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Northern Light (USA 2013)
R: Nick Bentgen; P: Lisa Kjerulff; 105 Min; HDCAM; OV
Deutschland-Premiere

Alltag im Milieu der Arbeiterklasse im nördlichen Michigan, wo die Winter lang und hart sind und die Jobs knapp. Die Frauen verbringen ihre Zeit als Mütter, Angestellte im Supermarkt oder Bodybuilderinnen, die Männer schrauben an ihren Autos oder Schneemobilen herum und richten ihr ganzes Leben auf das International 500-Rennen der Motorschlitten aus – dem Höhepunkt des Jahres. Regisseur Bentgen inszeniert die triste Diskrepanz zwischen der unendlichen Weite der Natur und der Enge der Lebensentwürfe mit Gespür für visuelle Dramatik, unterlegt von elegischen Streicherklängen. «Racing is life», kann man einmal an einer Wand lesen. «All else is worthless.» (Viennale)

NORTHERN LIGHT interweaves the lives of three families in the northwoods of Michigan.
Set against the backdrop of a town’s annual snowmobile race, this cinematic, observational documentary explores the American working class experience. As racers and their families pin their hopes to a 500 mile-long test of endurance, small triumphs and giant sacrifices are made along the way. From a frozen corner of the country emerge three American families.

FR 3.1. 19:45; DI 7.1. 20:30

Nebraska

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Nebraska (USA 2013)
R: Alexander Payne; D: Bruce Dern, Will Forte, Stacy Keach; 110 Min; DCP; OmU
Berlin-Premiere

Angesiedelt im Mittleren Westen, gedreht in Schwarzweiß und mit einem großartigen Bruce Dern in der Hauptrolle des alten Spinners Woody, berichtet Payne auf grotesk vertrackte Weise von einem, der auszog, sein Glück zu versuchen. Ein Glück, das Woody von einem Losgewinn verheißen wurde – was aber nur ein schäbiger Werbespruch war! Dennoch macht er sich auf, seinen Gewinn einzustreichen. Weit kommt er nicht. Ein liebevoller und geduldiger Film über das Älterwerden, die Familie, das Land und jene ewige amerikanische Illusion des pursuit of happiness. Diesmal ist es Woody, der Alte aus Hawthorne, der sein Glück versucht. (Viennale)

A poor old man living in Montana escapes repeatedly from his house to go to Nebraska to collect a sweepstakes prize he thinks he has won. Frustrated by his increasing dementia, his family debates putting him into a nursing home — until one of his two sons finally offers to take his father by car, even as he realizes the futility. En route the father is injured, and the two must rest a few days in the small decaying Nebraska town where the father was born and where, closely observed by the son, he re-encounters his past.
Shot in black and white across four American states, the film blends professional actors with non-actors and aspires to mirror the mood and rhythms of its exotic locations.

SA 4.1. 19:30; MO 6.1. 21:30; FR 10.1. 21:15

I Used To Be Darker

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I Used to Be Darker (USA 2013)
R: Matt Porterfield; D: Deragh Campbell, Hannah Gross, Ned Oldham, Kim Taylor; 90 Min; DCP; OmU

Taryn hat es von Nordirland in die USA verschlagen – der Liebe wegen, die jedoch nach kurzer Zeit beendet ist. Zuflucht sucht sie bei ihren Verwandten in Baltimore. Doch Tante Kim und Onkel Bill besiegeln gerade das Ende ihrer Ehe. Würdevoll soll die Trennung verlaufen, denn ihre Tochter Abby hat sich für die Semesterferien zu Hause angekündigt. Ein Zuhause, das es aber nicht mehr gibt.
Jedem Anfang wohnt ein Ende inne – und umgekehrt. Das gilt auch für Beziehungen. „I used to be darker, then I got lighter …“ Liedzeilen, die über der Handlung schweben. Wie Melodien lässt Regisseur Porterfield tiefgründige Themen aufleben: ein Spaziergang durch Musikgenres und das Innenleben der Figuren, mit einer behutsamen Kamera, eindringlich, aber nicht aufdringlich. Dramatische Wendepunkte erfolgen fast beiläufig und entfalten sich umso intensiver. Ablösung und Erlösung, Verlust und Veränderung, Aufbau und Zerfall – alles ist im Fluss. (Berlinale)

The director Matt Porterfield’s new feature is a lyrical ballad that is intimate in scale but international in scope. Taryn, a lissome young woman from Northern Ireland, pregnant and alone, flees a summer job on the Maryland shore for her aunt and uncle’s Baltimore home, which she finds in turmoil. Kim, her mother’s sister, a respected local singer-songwriter, is in the process of leaving her husband, Bill — who has traded his musical dreams for a solid office job—and their daughter, Abby, is in crisis. Taryn’s triangular drift among her relatives exerts just enough quiet pressure to blast open long-concealed fissures of family history, but Porterfield finds the melody in melodrama: with performances by Kim Taylor and Ned Oldham, a punk band, and a pianist, the movie is a virtual musical. The shimmery, luminous images create a kind of music, too; the glow of a swimming pool, the rustic warmth of a touch-football field, or a revelatory angle upward through a windshield suggest the deep and resonant continuities amid the chaos. (Richard Brody)

DI 7.1. 20:15 (anschließend Konzert von Kim Taylor)

i hate myself :)

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i hate myself :) (USA 2013)
R: Joanna Arnow; 56 Min; HDCAM; OV
Internationale Premiere

+ Month One (USA 2011, R: Suki Hawley, Joanna Arnow, Michael Galinsky, 10 Min)

„Stell bloss keine Bilder von dir ins Netz wie du Sex hast!“, wurde der Filmemacherin Joanna Arnow geraten. Doch genau dies tut sie in ihrem Debütfilm I HATE MYSELF :). Sie beginnt ihre Beziehung zu ihrem Freund James Kepple zu filmen, einem jungen Texaner, der als Dichter auftritt und mit seinem Auftritten in Harlem stets rassistische Kontroversen auslöst. Doch es kommt zu Schwierigkeiten: James trinkt immer mehr und Spannungen – auf und neben der Bühne – überschatten die Beziehung. Gleichzeitig wirft der Cutter des Films, stets nackt arbeitend und laut Credits als The Naked Guy bezeichnet, Joanna einen leichtfertigen Umgang mit dem Material vor. Und auch den Eltern bereitet es sichtlich Mühe zu sehen, wie ihre Tochter im Film plötzlich eine erwachsene Frau ist.

Several months into her first relationship, documentarian Joanna Arnow decides to follow its trajectory in a film. Her boyfriend, James Kepple, is a Texan poet who incites racial tensions at his Harlem open mic. Although James’ charisma and confidence endear him to Joanna (as well as his 112th street audience), soon he spirals out of control, drinking more heavily and provoking conflicts both on stage and at home.
As post-production of the film begins, editor Max Karson, working naked, picks arguments in a similarly abrasive manner. He accuses Joanna of ignoring the gender dynamics she plays into, repressing her sexual identity, and manipulating the story for her own benefit.

MI 8.1. 19:30; SA 11.1. 19:15 (jeweils in Anwesenheit von Joanna Arnow)
EXTRA-SCREENING: SO 12.1. 212:15

Double Play: James Benning and Richard Linklater

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Double Play: James Benning and Richard Linklater (F/P/USA 2013)
R: Gabe Klinger; 70 Min; DCP; OV
Deutschland-Premiere

Im Grunde sind James Benning und Richard Linklater ziemlich unterschiedlich. Verschiedene Generationen, radikaler ästhetischer Minimalist der eine, poppig verspielt und mit einem Fuß im Hollywoodkino der andere. Was sie verbindet, ist ihr je spezifischer Spirit einer selbstbestimmten, künstlerischen Arbeit, ein unprätentiöser Professionalismus und die Beziehung zu Geschichte und Kultur ihres Landes. Bei gemeinsamen Unternehmungen deklinieren sie ihre Ideen vom Filmemachen, von Musik, vom Raum und vom Vergehen der Zeit. Ein feiner, aufmerksamer Bericht über die Begegnung zweier Männer in karierten Hemden, die im Kino leben wie andere auf einem Bauernhof. (Viennale)

In 1985, former oil rig worker Richard Linklater began a film screening society in Austin, Texas, that aimed to show classic art-house and experimental films to a budding community of cinephiles. Eventually incorporating as a nonprofit, the newly branded Austin Film Society raised enough money to fly in their first out-of-town filmmaker: James Benning. Accepting the invitation, Benning met Linklater and the two began to develop a personal and intellectual bond, leading to many future encounters. Starting in the 1960s, Benning had been creating low budget films mostly on his own, while Linklater had just begun to craft his first shorts. The filmmakers have remained close even as their careers have diverged. After the cult success of SLACKER, Linklater went on to make films with Hollywood support. Benning, meanwhile, has stayed close to his roots and is mainly an unknown figure in mainstream film culture.

FR 10.1. 18:30; SO 12.1. 18:15

Death Row 2

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Death Row II – Portrait: Blaine Milan / Portrait: Darlie Routier (USA 2013)
R: Werner Herzog; 110 Min, DCP; OV
Death Row II – Portrait: Douglas Feldman / Portrait: Robert Fratta (USA 2013)
R: Werner Herzog; 111 Min, DCP; OV
Deutschland-Premiere

Seit einiger Zeit beschäftigt sich Herzog mit dem Schicksal einer Reihe von Menschen, die in den USA zum Tode verurteilt auf ihre Hinrichtung warten. In den ersten Kapiteln seiner bereits zweiten DEATH ROW-Serie gelang es dem Chronisten physischer und psychischer Ausnahmesituationen ohne jeden Voyeurismus, ohne Verurteilung oder menschelndem Beigeschmack die Geschichten jener Insassen zwischen Leben und Tod aufzuzeichnen, sie zu befragen, ihnen zuzuhören. Menschen, die ihre eigenen Kinder ermordet, andere, die zufällig Vorbeikommende getötet haben. Jetzt hat Herzog diese Geschichten fortgeschrieben, gar vertieft, fragend und manchmal in einen Abgrund blickend. (Viennale)

Blaine Milam, the youngest death row inmate in Texas, and his girlfriend, Jessica Carson, have been sentenced for the murder of their thirteen-month-old daughter during an exorcism; they believed she was possessed by the devil. But the troubling question remains: who is the devil?
Darlie Routier is on death row for having stabbed her two young sons to death and was found with a knife wound on her throat. She pretends to be innocent, claiming an intruder had attacked her.

After a childhood filled with drugs and petty thefts, Douglas Feldman managed to graduate cum laude from college and traveled all over the world before fatally shooting a man driving an eighteen-wheel truck. Witnesses observed him ride up beside the truck on a motorcycle and fire multiple shots into the cab, causing the death of the driver. Approximately 30 minutes later, in Dallas, Texas, Feldman rode up beside an eighteen-wheel truck parked at a gas station and fatally shot another man, which resulted again in the death of the victim.
Robert Fratta hired two hitmen to kill his wife who was about to divorce him. Both his fellow death-row inmates and the prison guards describe him as the most frightening person they have ever met.

Portrait: Blaine Milan / Portrait: Darlie Routier: DO 2.1. 19:30
Portrait: Douglas Feldman / Portrait: Robert Fratta: SA 4.1. 21:30

The Canyons

Lindsay Lohan

The Canyons (USA 2013)
R: Paul Schrader; B: Brett Easton Ellis; D: Lindsay Lohan, James Deen, Nolan Gerard Funk; 99 Min; DCP; OV
Deutschland-Premiere

THE CANYONS erzählt vom gelackten, unsympathischen Filmproduzenten Christian und seiner vom Leben gezeichneten Freundin, der Schauspielerin Tara. Als Hobby sucht das dekadente Paar gemeinsam den Sex mit anderen, betrügt sich dann aber auch noch gegenseitig. Taras heimliche Affäre mit einem unbekannten jungen Schauspieler ruft schließlich den notorisch eifersüchtigen und leicht psychotischen Freund auf den Plan. Mit allen Mitteln muss der Nebenbuhler zerstört werden.
Es verwundert kaum, dass Schrader dem Untergang Hollywoods in seinem Film so emotionslos gegenübersteht. In der Traumfabrik ist für einen wie ihn schon längst nichts mehr zu holen. Und auch außerhalb der Grenzen Hollywoods fehlt den meisten Produzenten der Mut, einen vor wirtschaftlichen Risikofaktoren nur so wuchernden Film wie THE CANYONS zu unterstützen. Doch aus der Asche der Filmindustrie kann ein Phönix emporsteigen. Im Falle Schraders war es neben finanzieller Eigenbeteiligung etwa die Crowdfunding-Plattform Kickstarter, die sein seltsames, kleines Kinowunder ermöglicht hat. (Michael Kienzl)

Paul Schrader! Bret Easton Ellis! Lindsay Lohan! James Deen! Embracing the new economics of the digital age, a veteran writer-director goes DIY to create a vision of modernity’s moral emptiness THE CANYONS is a compelling, twisted film about sex, career, money, and power in contemporary Hollywood. But the story, while edgy and intricate with deceit and betrayal, is a means to another end. Paul Schrader’s new movie paints a convincing picture of this cultural moment, a post-economic-crash digital age in which anyone driving a fancy car and flashing a credit card may or may not be an “indie” film producer, and sexual and professional commitments are as fragile and ephemeral as sea breezes. (Larry Gross)

FR 3.1. 21:15; SO 12.1. 18:00